Newsletter N°32

Cette semaine, découvrez une sculpture de Buddha choisie par la Galerie Hioco, une huile sur panneau de Jacques Blanchard exposée par Jacques Leegenhoek et une massue-épée classique proposée par la Galerie Meyer – Oceanic & Arctic Art.

À propos de l’œuvre

Le Buddha Śākyamuni
Cette superbe sculpture provient de l’ancienne région du Gandhara, qui englobait des territoires de l’Afghanistan, du Pakistan et du nord de l’Inde. Le Buddha est ici représenté debout. On reconnait le Bienheureux à son costume monastique lui couvrant ici les deux épaules, et à la mandorle circulaire derrière sa tête ; mais surtout aux lakṣaṇa, marques ou signes distinctifs du Buddha Śākyamuni, notamment la protubérance crânienne (uṣṇīṣa), la touffe de poils entre les yeux (ūrṇā) et ses lobes d’oreilles distendus, révélant sa richesse passée. Le bras droit est fragmentaire, mais sa main devait esquisser le geste d’absence de crainte (abhaya mudrā), paume tournée vers l’extérieur et doigts tendus. Cette iconographie est conventionnelle pour représenter le Buddha historique et se fixe aux premiers siècles de notre ère, lorsque la représentation anthropomorphe du Buddha apparaît.

Un art à la croisée des civilisations
Cette sculpture est caractéristique de l’art de la région du Gandhāra, notamment par le drapé mouillé aux plis concentriques, qui relève d’une influence hellénistique témoignant des échanges et contacts de civilisations. On retrouve toutes les qualités caractéristiques de cette région, alliant la finesse du réalisme hellénistique et les codes iconographiques de la religion bouddhique. Venus d’Asie centrale, les souverains Soie. Ce style syncrétique, si original dans l’art bouddhique, connait une grande postérité au Gāndhāra, lui assurant ainsi sa popularité.

Un savoir-faire remarquable
Le visage rond et plein, d’une grande douceur et d’une grande sérénité, les yeux étirés en amande, le nez droit, la fine bouche ainsi que l’usage du schiste témoignent d’un art parfaitement maîtrisé dans sa facture, souligné par son excellent état de conservation. Cette remarquable sculpture prenait probablement place dans un des deux espaces des monastères du Gandhāra : une cour accessible aux dévots et encombrée de toutes sortes de monuments ex-voto, tels que des tumulus reliquaires (stūpa) et des chapelles, et, au-delà, un espace réservé aux seuls moines. Il s’agit donc là d’une œuvre unique et puissante, porteuse d’une histoire millénaire.

À propos de l’œuvre

L’art de Blanchard, aux tonalités claires, à la lumière dorée marque dès lors, dans la peinture française une troisième voie, parallèle à la peinture baroque de Vouet ou au classicisme de Poussin.

Les tonalités blondes baignent le tableau, qui chose rare chez Blanchard est peint sur bois. Un autre panneau de dimensions identiques consacré lui aussi à un sujet mythologique, La naissance d’Adonis (fig.1), se trouve actuellement dans une collection privée. Autant d’éléments qui laissent croire qu’il s’agit ici de deux pendants, à moins qu’il ne s’agisse d’une série plus importante ayant appartenu à un décor aujourd’hui démantelé.

Dans la mythologie grecque, Marsyas est un satyre phrygien au talent musical incomparable. Il joue de l’aulos, une flûte à hanche double tandis qu’Apollon joue de la lyre. Jaloux, le dieu Apollon le provoque en duel. Les muses déclarent ce dernier vainqueur. Pour se venger, Apollon décide d’écorcher vif Marsyas en l’accrochant par les mains à un arbre. Cette scène ambiguë inspira de nombreux artistes au 17ème siècle en allant de Jusepe Ribera et Manfredi à David Teniers le jeune. Ce sujet a été présenté comme l’incarnation du conflit opposant l’idéal grec – celui de l’équilibre harmonique de la lyre et de la beauté – à la sauvagerie phrygienne – celle d’un chromatisme désordonné et d’une vitalité orgiaque (Dionysos et la flûte de Marsyas).

La composition de Blanchard semble insister sur cette dualité. En effet, elle s’articule autour de deux pôles : Apollon et Athena à gauche, incarnant l’équilibre et l’élégance de l’art grec, tandis que la partie droite est animée par la figure déjà contorsionnée de Marsyas que l’on commence à écorcher.

L’influence vénitienne est sensible dans les couleurs chatoyantes et la lumière dorée qui enveloppe l’ensemble. Mais il s’agit bien d’une œuvre française, où l’influence de l’Ecole de Fontainebleau est encore présente et celle de Laurent de La Hyre visible dans la figure dansante d’Athéna.